La reina de la belleza. Con la dirección de Oscar Barney Finn

Ganadora del premio ACE

Mejor obra de Teatro Alternativo

Marta Lubos Mejor Actriz de Teatro Alternativo

Una obra del británico Martin McDonagh

(Autor de la consagrada obra The Pillowman, ganador de un Oscar y director de la ganadora del Globo de Oro, Tres anuncios para un crimen, también multinominada al Oscar)

Con la dirección de Oscar Barney Finn

(Luego de sus exitosas puestas de El diccionario y Juegos de amor y de guerra, vuelve a dirigir esta obra que estrenara en 1999)

La reina de la belleza

De Martin McDonagh

Versión y traducción: Fernando Masllorens y Federico Gonzáles del Pino

Dirección

Oscar Barney Finn

Con

Marta Lubos

Pablo Mariuzzi

Cecilia Chiarandini

Sebastián Dartayete

La reina de la belleza es una historia con un texto intenso y violento, en que se cuenta la relación de una madre y su hija en Leenane, un pueblo irlandés en la comarca de Connemara, al que no ha llegado aún la globalización.

Maureen ha dedicado veinte años de su vida al cuidado de su madre Madge, pero el encierro obligado por esos cuidados, han terminado por establecer un rencor frío e implacables contra la anciana.

Sin embargo, este conflicto seco y brutal, se complica con la llegada de Pato y Ray, dos hermanos que cargan con una vida de problemas.

La eclosión de estos cuatro personajes, da la posibilidad de Mc Donagh de escribir una obra feroz e irreverente.

Voz en off: Pablo Flores Maini

Asistente de dirección: Florencia Laval

Escenografía: Eduardo Spíndola

Diseño de iluminación: Claudio del Bianco

Asistente de iluminación: Estefanía Piotrkowsky

Vestuario: Isabel Zuccheri

Asistente de vestuario: Josefina Veliz

Producción ejecutiva: Alberto Teper / Cynthia Nejamkis

Prensa: Duche&Zárate

Diseño gráfico: Leandro Correa

Fotografía: Lucas Suryano

Diseño musical: Sergio Klanfer

Funciones: viernes a las 20 horas

Localidades: $ 450.-

Teatro El tinglado - Mario Bravo 948 - CABA

Palabras del director: “La Reina de la belleza de Leenane. Hace veinte años descubrí esta obra de Martin Mc Donagh y viajé a Galway ,en donde se había estrenado (1º de febrero 1996), para verla en el Druid Theatre con puesta de Garry Hynes, la directora de este mítico teatro de Irlanda. El viaje tenía también que ver con búsquedas de identidades irlandesas y lugares desconocidos que me cargaron de expectativas y ansiedades, que encontraron su cauce con el correr de estos años. Sin embargo no pude ver la obra en la sede del Druid, la trouppe había partido en gira, y tuve que esperar llegar a Broadway para poder disfrutarla, con los derechos obtenidos al pasar por Londres. En New York conseguí localidades para una matine en el Walter Kerr Theatre en donde me enfrenté al fin con "La Reina", con esos inolvidables personajes, y por si fuera poco a la salida conocí y hablé con el mismo Martin McDonagh. Si bien este "enfant terrible " no era muy conocido en ese tiempo, en pocos meses obtendría tres importantes premios londinenses y los deseados Tonys de Broadway, que lo encaminarían en el 2005 hacia el cine y los Oscares con "Tres anuncios para un crimen". El marco escénico de su historia me remitió a una típica cocina irlandesa, refugio familiar cómo podíamos encontrar en obras de John Synge o Sean O Casey, pero donde los personajes y los objetos adquirían un significado distinto. Era una imagen de los años 50 bajo la mirada y sensibilidad de un hombre de 25 años, teñido por una cultura Pop .Era un melodrama sobre la relación caótica y compulsiva entre una madre y su hija atrapadas en una Irlanda "rural, marginal y globalizada", en donde no dejaban de ser violentos, imprevisibles, y cómicas. Tenían un humor que la platea festejaba y me acercaba el recuerdo de personajes y situaciones de una obra de Beckett. Los personajes me impactaron: Mag era una campesina obligada a consumir productos y series de TV que le impone la globalización, Maureen es una mujer atrapada en tareas domésticas y la rutina de un lugar en donde no ocurre nada, Pato es un emigrante en Londres que añora Irlanda, y Ray otro desarraigado que prefiere vivir en Londres o cualquier lugar lejos de su tierra, reflejaban distintas miradas de esa Irlanda que sobrevive en las baladas tradicionales de Delia Murphy que suenan en la radio. Con ellos McDonagh va entrelazando lo dramático con lo cómico e irónico para acercarnos a un final ambiguo en donde uno elige. Regresé a Buenos Aires con todo ese bagaje de sensaciones contradictorias de lo visto y con muchas más certezas para ponerla en Buenos Aires. Aquí se sumaron para producirla Carlos Rotemberg y Federico González del Pino y Fernando Masllorens con su aportes a los derechos y traducción. Fue en el teatro Ateneo en 1999 con un importante elenco, con una sorprendente Aída Luz, una potente Leonor Manso, un recordado Pato de Alejandro Awada, un creativo Pablo Rago y un inolvidable equipo técnico: María Julia Bertotto, Félix Monti , Luis María Serra y Dora Milea. Por supuesto que uno se pregunta ¿por qué volver a este texto? Y las respuestas son varias pero una prevalece: Porque los años favorecen a las obras y en sus lecturas se descubren aristas no visible en esas primeras incursiones. También la realidad actúa sobre ellas y la distancia y la perspectiva, las enriquece, aunque hay que sumarle decisiones personales que ayudan. En este caso el deseo de volver a encarar algo con Marta Lubos luego de nuestro afortunado encuentro para montar "El diccionario ", una experiencia renovada cada temporada. Por todo esto pensé junto con Alberto Teper que sería ideal volver a este texto y con aquella traducción de Masllorens - González del Pino. También es para reflexionar sobre aquella realidad irlandesa de los 90 con cambios notorios en su desarrollo económico que en forma directa o indirecta beneficiaron al teatro y al cine, al mismo tiempo que daban una mayor conciencia de identidad nacional y cultural. Etapa que con el tiempo fue conocida como "Celtic Tiger", denominación que se dio también a esa generación de dramaturgos como sus representantes. Casualmente el teatro que se genera en estos últimos veinte años huye de la imagen romántica y estereotipada del cliché y tratará de subvertirlo. “Las obras de este periodo se hacen eco de los rápidos cambios sociales que se están produciendo e intentan incorporar la nueva realidad del país: la migración, la post colonización, el desinterés por la religión católica, los prejuicios y los conflictos raciales. No existe ya un teatro irlandés, sino una serie de teatros irlandeses cuyas formas no dejan de evolucionar, dejando atrás la imagen de una Irlanda única, casi exclusivamente nacionalista y predominantemente católica". Por todo esto y algunas cosas más es que estamos trabajando hace tiempo en este proyecto al que se sumaron como actores: Marta Lubos, Cecilia Chiarandini, Pablo Mariuzzi y Sebastián Dartayete.

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Martin Faranan McDonagh

Nacido el 26 de marzo de 1970 en Camberwell, Londres. Dramaturgo y director de cine angloirlandés, conocido en sus inicios por la gran brutalidad y estilo cinematográfico de algunas de sus piezas teatrales. Se considera que cultiva una vertiente extrema del teatro de la crueldad, conocida como In-yer-face, que destaca el aspecto violento y grotesco de las obras para captar la atención del espectador.

En 1996, su ópera prima, La reina de belleza de Leenane (The Beauty Queen of Leenane), le valió el premio del Círculo de la Crítica Teatral británica al dramaturgo más prometedor del año y en 1998 fue nominada el Premio Tony como la mejor obra de ese año en NY.

En 2003 escribe su obra más famosa hasta la fecha The Pillowman, que fue galardonada en 2004 con los premios Laurence Olivier y el del Círculo de la Crítica de Nueva York a la mejor obra extranjera, así como con el Tony 2005 al mejor texto teatral.

También tiene una exitosa carrera en el cine, que lo llevaron a ganar el Oscar por su cortometraje Six Shooter en 2005, así como también en 2017, gracias a su película Tres anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), que le valió 32 premios internacionales, entre ellos los Globo de Oro a Mejor Película Dramática y Mejor Guión, y los Premios BAFTA del cine inglés como Mejor Película, Mejor Película Británica y Mejor Guión, y fue nominada al Oscar a la Mejor Película.

Oscar Barney Finn

Docente, guionista, productor y director en Cine, Teatro, Televisión y Ópera.

En los años ´60, durante su formación, fue becado por los gobiernos de Francia y Estados Unidos. Fue Director de la carrera de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. Integró el Consejo Asesor del Instituto de Cine y fue Presidente de la Asociación de Directores de Cine (1990-92 y 1994-96). Participó como jurado de los Festivales de Biarritz y Mar del Plata; fue designado Director Artístico del Festival de Mar del Plata en sus ediciones de 1995 y 1996. En el 2001 recibió el premio a la trayectoria del Fondo Nacional de las Artes.

En el año 2016 con motivo de cumplir 50 años de trayectoria, fue homenajeado con los Premios María Guerrero y el Premio Cóndor de Plata; declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad De Buenos Aires y el Museo del Cine organizó un ciclo con sus películas “Oscar Barney Finn: Función Aniversario”.

En teatro realizó la puesta de recordadas obras, entre las que se destacan en los últimos años “Poder absoluto”, “Noches romanas”, “La gata sobre el tejado de zinc caliente”, “El príncipe de Homburg”, la aclamada “El diccionario” (aún en cartel), “Dulce pájaro de juventud” y las recientes tres temporadas de “Juegos de amor y de guerra” . Tras su paso por Chile y EEUU la obra “Poder absoluto” fue galardonada en Nueva York por la crítica especializada con el premio ACE. En 2017 fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

HERMAFRODITA

Este trabajo reúne una dramaturgia teatral con una experiencia coreográfica y se basa en la publicación de las memorias del hermafrodita francés del siglo XVIII Herculine Barbin dite Alexine B., memorias editadas con un prefacio de Michel Foucault.

Texto: Alfredo Arias. Inspirado libremente en las memorias del pseudo-hermafrodita Herculine Barbin, alias Alexina B. Memorias publicadas por Michel Foucault en 1978.

Dirección: Alfredo Arias, Mayra Bonard y Carlos Casella

Intérpretes: Mayra Bonard y Carlos Casella

Coreografía: Mayra Bonard y Carlos Casella

Luces: Matías Sendón

Concepto sonoro: Diego Vainer

Artes visuales: Nicola Costantino

Asistencia de Dirección: Luciana Milione y Maxi Muti

Producción ejecutiva: Luciana Milione y Marlene Nordlinger

HERMAFRODITA. Presentación y Sinopsis.

Michel Foucault publica en 1978 un texto que lleva por título « Vidas paralelas ». En esta publicación figuran las Memorias de Herculine Barbin alias Alexina B.

Dice Michel Foucault:

Los antiguos amaban poner en paralelo las vidas de hombres ilustres, escuchaban esas sombras ejemplares hablar a través de los siglos.

Los paralelos, lo sé, están concebidos para unirse en lo infinito.

Imaginemos otros que no se reunirán nunca.

Sin lugar de encuentro, ni lugar donde acogerlos.

Esas vidas no tuvieron otro eco que el de su condena.

Tendríamos que poder detenerlas en el vértigo del movimiento que las separa, tendríamos que encontrar la huella instantánea y resplandeciente que dejaron en su caída hacia la oscuridad que « no se dice » y donde toda « decencia » se pierde.

Sería al opuesto de Plutarco: vidas definitivamente paralelas que nadie nunca podrá reunir.

Un hombre se suicida dejando detrás de él una autobiografía.

Es Ambroise Tardieu, un especialista de la medicina legal que publica en 1874 las memorias de un pseudo-hermafrodita: Herculine Adelaide Barbin alias Alexina. En esas memorias Herculine relata apasionadamente sus emociones, su desconcierto a medida que va descubriendo su particular sexualidad.

En 1860, veintiún años después de su nacimiento, Herculine Adelaide Barbin es rebautizada con el nombre de Abel, cambiando así su estado civil. Los tormentos amorosos de la joven se terminarán en la precipitada y amarga desesperación de un hombre.

Le ley rechazará su condición ambigua excluyendo la posibilidad de los placeres de una vida sin un sexo definido.

Lunes 27, Miércoles 29 y Viernes 31 de enero de 2020, 16h

Auditorio MALBA

Chicas católicas. Segunda temporada

Desde el 10 de enero en Teatro Picadilly. Con SOFÍA GALA CASTIGLIONE, TAMARA GARZÓN, IRIDE MOCKERT Y CANDE MOLFESE

Dirección: Daniel Casablanca

SINOPSIS

Con inteligencia y humor, “Chicas Católicas” nos sumerge de lleno en los primeros años de cuatro pequeñas, ahora mujeres, que recuerdan lo que significó crecer en un colegio religioso. Una comedia que invita a cuestionar tu propia vida con una mirada reflexiva y absolutamente humorística que parte del presente.

Sobre una puesta original de Alicia Zanca, el director Daniel Casablanca pone en evidencia en este hilarante relato como la educación religiosa provoca temores cuando somos pequeños. Mandatos y sentencias. Demasiada información, y a veces, hasta contradictoria. Junto con la nostalgia, la obra tiene la licencia de la memoria. La escuela primaria es un tiempo imborrable que nos ha marcado a todos. La percepción que tenemos en la infancia da lugar a ciertas exageraciones y deformaciones que nos permiten hacer un recorrido punzante por momentos particulares de nuestra propia vida cargado de humor.

En definitiva “Chicas Católicas”, con una perspectiva infantil, nos permite hacer una revisión sobre la religión, la educación y la familia. Nos transportaremos a nuestra propia infancia a través del crecimiento de estas niñas tan particulares. Su crítica humorística tiene a la obra en permanente vigencia a través de los años.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Elenco: Sofía Gala Castiglione, Tamara Garzón, Iride Mockert y Cande Molfese

Autora: Casey Kurtti

Traductor: Miguel Abeledo

Dirección: Daniel Casablanca

Asistencia de dirección: Gabriela Biebel

Stage manager: Sabrina Arias

Prensa: Mutuverría PR y Ximena Goldenberg

Redes: Quadama

Asistente de escenario: Macarena del Mastro

Fotografía: Gabriel Machado

Diseño de vestuario: Kris Martínez

Diseño de escenografía: José Ponce Aragón

Producción: Gustavo Enrietti

Asistente de producción: Renee Civitate

Diseño De Luces: Pablo Vaiana

Producción general: Feldman - Santa Cruz (Diego Feldman - José María Santa Cruz)

Duración: 80 minutos

FUNCIONES:

Viernes y sábados 23 hs y Domingos 22 hs.

Teatro Picadilly, Corrientes 1524

Entrada: $900.-

Disponibles en PlateaNet